Un Muro Sobre Chile

Antes de leer este comentario, queremos que veas este video:

Así es, Roger Waters y David Gilmour juntos nuevamente en un escenario. La última vez había sido el año 2005, en el concierto Live 8, 24 años después de la última presentación de Pink Floyd con Waters como bajista.

También sorprende ver a Gilmour pifiarse en un solo que ha tocado miles de veces en su vida. Pero esto sirve para que vean que músicos de este calibre no son infalibles y que lo más probable es que esto le ocurrió por la bomba emocional que desató el público ante la irrupción de su voz en el primer coro.

Ver juntos a Waters, Gilmour y Nick Mason (baterista original de la banda que fue invitado a interpretar Outside The Wall), más que nada es un lindo regalo para cualquier fanático de la banda, sobre todo para aquellos londinenses que tuvieron la suerte de ser testigos directos de la reunión.

Probablemente muchos hirvieron de envidia viendo este video. Pero algo tendremos, ya que Roger Waters tiene agendado este espectáculo para el 2 y 3 de marzo de 2012 en el Estadio Nacional de Santiago.

La relación del bajista con Chile es innegable, y queda plasmada con hechos como la donación de 5 mil dólares que realizó para los alumnos de la escuela Víctor Domingo Flores E-458 o la carta que envió a Hernán Rojas (de Radio Futuro) tras el terremoto del año pasado.

El 2012 será la tercera vez que los chilenos podrán verlo. En 2002, para su gira “In The Flesh”, el público reunido en el coliseo de Ñuñoa vio como Waters se tomó la licencia de jugar un partido de póker durante un interludio en Dogs. El 2007 el prisma del “Dark Side Of The Moon” proyectó su clásico espectro de luz desde el centro del Nacional. Lo que viene el próximo año es la extensión del tour que celebra el aniversario número 30 de uno de los discos más trascendentes de la historia: “The Wall”.

Si para muchos los 360° de U2 constituyeron lo más impresionante que se ha visto en el país en materia de conciertos, hay que hacerles saber que el gran muro que se instalará en el Estadio Nacional es un rival de temer. Y es que no por nada Waters exigió los derechos de The Wall cuando se separó de Pink Floyd.

A pesar de que Pink Floyd ya había realizado una gira de The Wall (grabada en el Earl’s Court para el disco “Is There Anybody Out There?”), esta nueva versión del espectáculo de Waters como solista aprovecha al máximo la tecnología del siglo XXI, haciendo olvidar algunos elementos teatrales que se perdieron respecto a la versión anterior con impresionantes animaciones de alta definición proyectadas en el muro gigante.

Es difícil hablar del show que abarca cada canción, ya que pasaría a ser una especie de Spoiler, por lo que nos reduciremos a decir que no se rompen las expectativas respecto a los momentos memorables del disco. Todo, desde el segundo solo de Comfortably Numb (catalogado en numerosas ocasiones como el mejor de la historia) hasta el clímax durante el juicio en The Trial (ver segundo video) están desarrollados con el objetivo de presentar una experiencia única para el espectador.

El concierto soñado de muchos de los fanáticos de Pink Floyd pasó a ser irrealizable en el 2008 tras la muerte de Rick Wright (tecladista fundador de la banda), pero cualquier seguidor de la banda debería empezar a ahorrar para el próximo año y prepararse para apreciar una alucinante obra conducida por un maestro de ceremonias de experiencia. Que se prepare Chile, ¡Se viene Roger Waters!

Acá el video de The Trial para algunos curiosos:

... ¿Y David Gilmour?

Es altamente improbable que acompañe a Waters en su visita a Chile. La verdad es que Gilmour tiene una deuda pendiente con Chile y su reciente aparición junto a Waters pudo haber hecho creer a más de alguno que este es el momento indicado. La calidad de su concierto en el Royal Albert Hall el 2007, donde rescata temas clásicos de Pink Floyd, y donde promociona también su último disco “On An Island”, deja a cualquiera con ganas de ver en vivo y en directo al creador de algunos de los solos más memorables de la historia. Discúlpennos los admiradores de Waters, pero las interpretaciones de Shine On You Crazy Diamond de sus músicos con una Les Paul en 2002 y con una Telecaster en 2007 no se acercan al portento de la Stratocaster de Gilmour.


Escrito por Pablo Álvarez y Miguel Malermo.

Para volver a las Leyes de Tradición:

Dándole duro al stick-bass, Les Claypool introduce Jilly’s on Smack. La canción recuerda los ritmos percusionistas de Primus en sus inicios. La guitarra permanece en un mute clásico de las raíces, acompañando a una voz tranquila –con un acompañamiento rockero-. Sin embargo, este aspecto también se utilizaba cuando la banda norteamericana contaba con el baterista Jay Lane antes de su retiro.
El regreso de Lane significó grandes avances para la banda, por ejemplo el lanzamiento de su próximo disco Green Naugahyde. Luego de doce años, aproximadamente, los autores de Tommy the Cat y Winona’s Big Brown Beaver, lanzarán su proyecto el 13 de septiembre.

Luego de verlos en Chile -teloneando a Faith No More el año pasado-,  presenciamos que Claypool ha acostumbrado el abuso de este bajo que parece una tabla con cuerdas y que toca con un arco. Pareciera difícil y nuevo para el cabecilla de la banda, pero la experiencia musical del compositor demuestra ser un músico completamente versátil. Todos sus juegos de tapings también los logra con este nuevo bajo para acompañar la guitarra de Larry Lalonde.
El último disco del conjunto fue Antipop (1999), que demostró una vara que mantuvo al grupo hasta el día de hoy sin tener que demostrar su calidad con otro disco. Pero quizás ese vacío obligó a los integrantes a dar el vamos por un proyecto que seguramente será una broma maestra.

Canto porque la gente tiene sentido y razón

“No queremos, no nos interesa que la Patagonia sea una represa” fue la frase que coreó Camila Moreno, con el público, en una jornada lejos de parecer “fomingo”.
Además del fútbol, la música fue protagonista el pasado 12 de junio en el Teatro Caupolicán. Con un concierto se celebraba un cíclo del programa Dulce Patria de Radio Cooperativa. Éste, con el nombre de “Yo No Canto por Cantar” invitó a artistas como Chinoy, Kaskivano, Camila Moreno, Pedro Piedra, Nano Stern, Pascuala Ilabaca, Javier Barría, entre otros.

La música que han alcanzado los cantautores que asistieron, y considerando sobre todo a nuevos protagonistas de esta  gran ola de música nacional, es un componente que deja a Chile en grandes estandartes de calidad. La innovación y el nivel que demostraron, esa noche, fue realmente un paso más en la composición chilena.

Desde un comienzo, el concierto se inclinó en abrir un espacio para artistas como Evelyn Cornejo, Natalia Contesse, y Juanjo Montecinos. Ninguno defraudó y el público venía despierto para escuchar estas propuestas nuevas.


Luego, Pedro Piedra apareció para demostrar que no es un músico cualquiera. Hizo su performance cantando, tocando guitarra, un bombo y un high hat –a la vez-. Aún así, esperábamos un poco más de dinamismo del experimentado compositor. El contraste lo evidenciamos cuando Kaskivano entró en escena.

 Aparte de evidenciar la calidad de esta generación de música, la idea, de Cooperativa, era promover nuevos temas de los músicos invitados. El tópico del concierto se convirtió en una oportunidad para comentar y apoyar las manifestaciones que están ocurriendo en el país. La emotividad de estos, fue el elemento primordial que utilizaron artistas como Kaskivano, acompañado únicamente de su guitarra, iniciando un bailoteo con “el ritmo de la calle pa’ despabilar”. Luego tocó con todas sus fuerzas “Villa Francia” y “Rojos de Sangre”. Sin duda, de lo que pudimos presenciar *, fue el artista que más hizo corear a la gente, gritando cada frase de la composición como la muerte de Víctor Jara, el empuñar las manos y “mirar hacia adelante”. La emoción se sentía.
Después fue el turno de Nano Stern, quien con toda su banda sumergió a la audiencia en las metáforas y el juego de balancearse en telarañas. Sumó a este paseo su nueva composición “La Raíz”, una canción dinámica y de una línea acorde a las características de Stern, que protesta contra la construcción de cemento sobre la naturaleza. Sin embargo, entre problemas técnicos y fallas de sonido, corrió el micrófono para cantar acapella “Dos Cantores” con todas sus fuerzas, manteniendo al teatro de San Diego en un silencio total. El suceso no dejaba contener los aplausos de la gente, fue un momento de mucha unidad con el cantante.
Siguiendo con esta unión, fue Camila Moreno quién tuvo un momento de conversación con el público para hablar hasta del “pichí y la caca”, o para presentar a una persona del público que bailaba tapping. Esto se debió a las falencias del sonido en el evento. Una vez acabado el percance, a la mitad de su presentación, con “Millones”, “Lo Cierto” y coreando un desinterés por ser una colonia norteamericana, manifestó el descontento que  se siente en Chile de la manera más rockera que pudo.
Cada vez se suman tomas de estudiantes debido al desacuerdo que ha existido en el rubro de la educación desde hace décadas. Sin embargo, hoy se está presenciando de una manera muy fuerte, casi superando la Marcha de los Pingüinos de hace 3 años. Como manifestaba Kaskivano, la gente es la dueña de sí mismo y de las palabras. Por lo tanto, todo descontento y problema por solucionar  está en el derecho de cada persona. Es así como uno debe estar al tanto de lo que está ocurriendo y formar criterio, sino se pierde opinión al caso. Y si no afecta directamente, sirve para solidarizar también.

Hoy, la música se está transformando en una voz y poder potente que combate todos estos conflictos sociales, trata de sacar soluciones y pone en la mesa el tema para que sea debatido.  El conflicto Mapuche, Hidroaysén y Patagonia sin Represas no estuvo ausente, se comentó y se acusó.
Cerrando el show apareció Chinoy con una propuesta distinta a la de siempre. Esta vez, su presentación pasó por un rock-punk que terminó el show a gusto para un público que se esperaba que fuera más masivo.

Así se sintió el Caupolicán en la noche del domingo. También se apeló a la felicidad y la visión tierna de la vida: no siempre debe ser una expresión violenta, “debemos manifestarnos de acuerdo al descontento, pero a veces…se nos olvida celebrar unidos” comentaba Stern entre canciones. Se nos olvida que “La Vida es un Regalo” y que la música es la manera de combatir las injusticias y la tristeza.


Escrito por Pablo Álvarez Yáñez y Miguel Malermo Padilla

*Lamentablemente, por distintos percances no pudimos ver a Pascuala Ilabaca, lo que lamentamos porque teníamos muchas ganas de escuchar en vivo sus exquisitas composiciones antes de que partiera a Europa. Lo mismo nos pasó con Fernando Milagros y Javier Barría.

Intensivo Premios Altazor: Picoteo de Música Popular

      La XII edición de los premios Altazor se celebró la noche del pasado martes 24 de mayo, y tuvo entre sus grandes ganadores a Manuel García, Los Tres y Patricio Manns.
El primero, galardonado en la categoría de “Mejor Álbum Pop” por su disco “S/T”, tuvo que medirse frente a difíciles rivales como Gepe con su disco “Audiovisión” y Américo con “Américo en vivo”.  

“Audiovisión” es un disco que puede jugar con los estados de ánimo del oyente. Creativamente juega entre el optimismo y el pesimismo con guitarras pasivas (a veces reemplazadas por teclados) y una voz acompañada que comunica siguiendo un rumbo fijo. Claro que hay elementos que rompen con el esquema, como son las palmas de Amigos Vecinos, que se suman a una voz desnuda de Daniel Riveros para dar inicio al disco, las cajas a ritmo de marcha de La Bajada y de Alfabeto (resaltadas sobre todo en el outro de este tema que rescata de gran manera el sonido andino) o la asistencia de Javiera Mena en Lienza. Colaboración que en ciertos pasajes hace recordar sonidos del disco “Corazones” de Los Prisioneros. Por donde se le viera, “Audiovisión” era un rival más que fuerte.

Luego estaba Américo con “Américo En Vivo”. La fama que ha adquirido rescatando las cumbias del compositor peruano Estanis Mogollón (quien aparece en el disco interpretando algunos de sus temas como Te Vas y El Embrujo junto al chileno) lo ha llevado a ser un éxito total en ventas y a hacer retumbar una y otra vez en el público chileno canciones como éstas junto a otras como Que Levante La Mano (de Alejandro Vezzani). Todas en un punto tal que ese público ya canta sus coros inconscientemente al escucharlos.

El disco reúne todas estas canciones en un show como los que suele hacer Américo. No obstante cabe preguntarse: ¿Es realmente meritorio un disco en vivo donde sólo interprete sus mejores temas? ¿No sería más reconocible un álbum donde muestre material nuevo? Ciertamente las ventas de Américo lo hacen candidato en cualquier parte, pero un disco en vivo tiene que ser muy innovador y potente para poder ponerse a la altura de otros artistas que se desgastaron escribiendo y rayando para lograr material nuevo, sobre todo tomando en cuenta que sus principales canciones (las cuales interpreta notablemente, sin duda)  no fueron escritas por él.

En fin, segunda derrota para Domingo Vega en los Altazor (ya había perdido el año pasado frente a De Kiruza), con un álbum que constituye una joya para los fans del cantante, pero que se presenta como algo menos nuevo que el disco “A Morir”, con el que compitió el 2010.

Así es como llegamos finalmente a “S/T”, trabajo del ganador Manuel García. El disco es un trabajo sumamente creativo. Muestra facetas distintas del cantautor que van desde las más pasivas hasta algunas donde su sola voz transmite una gran cantidad de energía. Queda Lo Que Quema da inicio al disco y el tono de Manuel García inevitablemente da cuenta de alguna influencia de parte de Silvio Rodríguez, apoyándose de un enérgico piano. Luego siguen algunos temas donde podemos ver el ambiente pasivo que está de moda en Chile. Ahí encontramos Vida Mía (que de hecho es mitad instrumental), El Reproche o Catalejo. Por otro lado, el single Reloj muestra el lado más rockero del disco, con guitarras distorsionadas y solos acompañados de coros con gritos de Manuel. Otras veces esa misma energía proviene simplemente del artista, como sucede en Piedra Negra. Joan es un hermoso tema en homenaje a la viuda de Víctor Jara. La Terrible Canción N°1, por su parte, muestra al artista en una faceta más experimental, desentendiendo su voz de la melodía en ocasiones y agregando cuerdas distendidas al final. Los solos de guitarra de Amistad dan fin a un disco que demuestra de principio a fin toda la calidad de Manuel García, y que lo hacen un más que merecido ganador del Altazor. La frase “los estudiantes marchan junto a ti” de la notable canción Alfil hacen recordar el lamentable hecho de no haber podido escuchar su show completo durante la manifestación estudiantil hace tres semanas.

Pero alguna discrepancia respecto esta decisión no se llega a comparar con lo comentada que ha sido la premiación a “Mejor Álbum Rock”. Los Tres, con su disco “Coliumo”, fueron los que, para regocijo y decepción de algunos, se llevaron el premio que el también laureado director y actor de teatro Alejandro Goic bautizó como “El Pájaro Culiao”.

Los otros nominados eran Angelo Pierattini con su disco “Vampiros” y Los Miserables con su álbum tributo “La Voz De Los 80”.

El segundo álbum solista de Angelo Pierattini es un trabajo conceptual inspirado en la película sueca “Déjame Entrar”. El disco, que se aleja un tanto de la faceta más rockera de Pierattini en Weichafe, se despliega desde la intimidad del artista hablando en primera persona. La canción que da título y que inicia el disco es un tema bastante simple y algo cargado al pop. Reflejando el nuevo rumbo en la carrera artística del ex Weichafe aparecen también temas como Menta, Miel y Sangra (una de las canciones más destacadas del disco) o No Quiero Estar Solito (que termina con un honesto coro de niños cantando en otro tono). Mujercita combina un teclado, una guitarra slide y otra con un leve trémolo para llegar a un sonido western que la hace una de las canciones más atractivas del disco. Me Pongo A Llorar es la canción encargada de dar fin al disco, evocando fuertemente la canción Beautiful Boy de John Lennon. En resumen, este disco personal y simple es una apuesta a la sensibilidad de quien lo escucha, pero sin duda muestra un sincero desahogo de parte de Angelo Pierattini.

Si se preguntara en la calle a la gente acerca del disco más trascendente del rock chileno, lo más probable es que la mayoría repita a eco el mismo nombre: “La Voz De Los 80” de Los Prisioneros. Por lo mismo, la apuesta de Los Miserables de hacer un tributo a este legendario álbum conllevaba una gran responsabilidad así como un fuerte prejuicio de parte de la audiencia.

Ya es conocida la forma en que Los Miserables realizan los covers, con baterías y riffs muy propios del punk. Estos arreglos pueden parecer más drásticos en canciones más folklóricas (como los que se pueden escuchar en el disco “La Voz Del Pueblo”), pero en el caso de “La Voz De Los 80”, gracias a la combinación de rock, punk, y ska de Los Prisioneros, el grupo sigue en gran parte la línea del disco original. La voz en Paramar, en lugar de comenzar sola junto a la guitarra, esta vez empieza junto a la batería y el bajo. La distorsión que se le agrega a las guitarras originalmente a temas como Sexo o Latinoamerica Es Un Pueblo al Sur De EEUU tampoco alteran las canciones originales de manera radical. El solo de La Voz De Los 80 acompañado de una guitarra diferente a la del riff principal junto a la distorsión más pronunciada que la clásica le dan un mayor volumen al tema homónimo al disco.

Claramente este tributo no va acompañado del impacto que cargaba el trabajo de Los Prisioneros en esa época. Tampoco tiene la voz de Jorge González, tan carismática como particular (“Que es desafinado el cantante”, dicen los personajes de Los 80 que, sin embargo, de a poco logran ser seducidos por la música a lo largo de la serie). Debido a esto y a otros factores, probablemente quien escuche un rato el tributo de Los Miserables, no se enamorará ni odiará el disco, y pronto querrá desempolvar su disco o cassette de “La Voz De Los 80” original para revivir viejos recuerdos. No obstante, esto no es del todo malo. Hoy en día fluye tanta música que de pronto se nos olvida revivir aquellas experiencias pasadas, por lo que es muy importante mantener fresca la memoria respecto a aquellas canciones que marcaron hitos en la música chilena.


Finalmente, la polémica. Muchos han hablado tras la entrega de los premios diciendo que Los Tres fueron galardonados sólo por nombre, argumentando que con el disco “Coliumo” el grupo de Álvaro Henríquez jugó a la segura, haciendo un trabajo pasable y  completamente prescindible, y que por ello ha tenido una tibia recepción en la audiencia.
Estas críticas son perfectamente justificables, pero pasan por alto algunos memorables pasajes del ganador del Altazor “Mejor Álbum Rock”.

“Coliumo”, antes que nada, llega con el cartel de ser el segundo trabajo tras la reunión de Los Tres, apareciendo cuatro años después de su predecesor “Hágalo Usted Mismo” (el cual es bastante resistido por un grupo de críticos que ven esta reunión como un pretexto para ganar plata).  Tal vez no fue tan buena decisión escoger Shusha como primer single del disco, ya que es un tema muy liviano que los más resistentes al nuevo ciclo de Los Tres no tardarían en tildar de popero. El segundo single Hoy Me Hice La Mañana es un homenaje a las víctimas del terremoto, y muestra un mayor potencial del grupo con un solo perfectamente ejecutado por “Parrita” con una pedal steel guitar (en cuanto a uso de este instrumento recomiendo escuchar el tema Diorita del disco La Hora Feliz de Ángel Parra Trío). El disco cuenta además con un par de temas bastante rockeros, como son Rosas Al Altar, Terrible y Cárcel, Hospital y Cementerio mientras que Odio Amarte Así da el toque romántico al disco.. Una canción que llama mucho la atención es Diabla, un tema sin percusiones sino en los interludios y en la que Henríquez ocupa la letra de Where Did You Sleep Last Night. Y Para Que es una canción que, con una guitarra lead de slide y otra rítmica muy suave, repite la fórmula de Olor A Gas, sólo que se mantiene constantemente en un estado pasivo. Tres canciones fueron dedicadas a Roberto Parra: En El Banquillo, En Capilla y Don José. Las primeras dos son cuecas virtualmente idénticas a La Vida Que Yo He Pasado. El tercer tema, por otro lado, es un tema que con un ritmo swing, una particular voz de Henríquez y un impecable solo acústico de Ángel resulta sumamente cautivador y revela la parte que a todos nos gusta de Los Tres. Después de este homenaje a Roberto Parra, era el turno de la madre de Ángel Parra. Uno de los grandes aportes de “Coliumo” es Marta, instrumental compuesto por el guitarrista, quien no suele aportar composiciones. Paseándose entre la desazón y la esperanza, Marta es de esas canciones que dejan algo al escuchárseles con los audífonos bien puestos y el volumen alto.
En resumen, siendo que el disco puede pasar desapercibido a primera vista, merece sin dudas una segunda oportunidad. Así el disco puede pos sí solo justificar su premio. Después de todo, la calidad de los músicos de Los Tres es innegable.


En la categoría “Raíz Folclórica”, se condecoró a Patricio Manns por su disco “La Tierra Entera”. La temática de gran parte del disco se adecua al debate medioambiental que se ha generado en torno al proyecto Hidroaysén. A pesar de que la amplia instrumentación en el disco le da otra atmósfera a las canciones y de que la voz de Manns se puede escuchar algo desgastada (en temas como De Pascua Lama y Coplas Del Prisionero Universal  por ejemplo), el músico realiza un esfuerzo por interpretar de la mejor manera los temas que escribió con su talentosa pluma, la cual yace intacta.
Esto le valió el reconocimiento antes que al Grupo Huara y su disco “Tambo” (el cual presentaba una instrumentación bastante más folclórica que el de sus competidores) y Sol Domínguez con su disco “Raíces”.
(Por razones técnicas damos el enlace a La Tierra Entera - Patricio Manns así)

Tras este picoteo de los discos nominados a los Altazor en el área de la música popular, quedamos con la sensación de “esto no puede ser todo”, y es verdad, no lo es. Hay una gran cantidad de artistas que buscan mostrar un trabajo original valorable y que por desgracia no llegan a los oídos de la gente. Debemos preocuparnos por aquellas mentes creativas, para que así no haya debates acerca de quiénes debieron haber estado y quiénes no, de si él ganó por nombre o aquél por ser el menos malo.
Con este comentario y unas felicitaciones a los ganadores, nos despedimos.


Pablo Álvarez Yáñez – Miguel Malermo Padilla

¡Estamos con ustedes!

El 5 de junio el bajista de la banda Red Hot Chili Peppers comentó lo que quizás ha mantenido a muchos fans con el sueño medio afectado. “Me da un profundo placer anunciar que el 30 de agosto es la fecha del nuevo disco de los Red Hot Chili Peppers”. Sin embargo, el lanzamiento no fue la única noticia que dio: “El nuevo disco de la banda se llama…I’m With You”. Esas fueron las palabras de Flea, descartando el nombre que se le daba hasta la fecha, al proyecto, como Dr Johnny Skinz's Disproportionately Rambunctious Polar Express Machine-head.
Luego de una historia de eternas vueltas, la banda tomó la decisión de apostar por el décimo álbum. El trío (luego de la salida de Frusciante se declararon así, y con un cuarto colaborador) tiene a gran parte de los admiradores del funk/rock esperando. Considerando que el último disco fue hace cinco años y fue existoso como el album Blood, Sugar, Sex Magic o Californicaction, no existe una decepción del público. Las expectativas son altas y sin ningún prejuicio. Considerando que el Stadium Arcadium fue una gran obra, pero su crítica, asimilada al alejamiento de sus raíces, lo dejó como un disco seudo olvidado para los fanáticos. Pero el entendimiento que se debe dar a este cambio de los norteamericanos, es el que merece cualquier gran banda del mundo: debe haber una evolución constante, de otro modo el conjunto desaparecería siendo el mismo concepto y quedaría atrás. Las canciones de los Red Hot demuestran una diferencia total a la anterior en cada álbum, lo que no permite jerarquizarlas, sino que sólo queda disfrutar de su capacidad de hacerte saltar aunque Anthony esté gritando o susurrando; Flea esté destrozando el bajo con una rapidez impresionante; o Smith mueva el piso con la batería.

 No sólo el nerviosismo por este lanzamiento es lo que mantiene a todos despiertos, también la posibilidad de que los californianos vuelvan a Chile luego de diez años. Asimismo hay una gran curiosidad por la contribución que está dando el multi instrumentista, pero principalmente guitarrista, Josh Klinghoffer. Se anhela un trabajo de mucho aporte por sus cooperaciones realizadas y composiciones.
La lucha por destacar en el mundo musical no es cuento para los mayores exponentes del funk/rock, y además de sus presentaciones en pelotas, sus composiciones han revolucionado a la gente para llenar estadios en sus conciertos. Se espera que la obra siga solidificando a la banda que enseñó a vestir sólo un calcetín “en sus bolas”.

Escrito por Pablo Álvarez Yañez y Miguel Malermo

Crazy Motherfuckers

Una serie de sonidos electrónicos influenciados de canciones como “Oh, Yes!” de Beck, podría ser la primera definición de la banda chilena Tunacola and Whale. Así se han considerado los integrantes de Tunacola: como reeditores de la mezcla ñoña, como los jingles de Nintendo, con un pop bailable. Pero el nuevo disco ha demostrado algo mucho más profundo. El trabajo de cada canción demuestra que la banda de Rick Tunacola, Paz Court, Dj Caso tiene mucho que contar. Desde la alegre “Primavera, Now!”, una melodía que produce un ambiente de gusto playero, hasta la melodía seudo trance de “Sudamerican Rockers”, que mantienen una onda bailable que la banda ha sabido manejar.  

Se cumplió la creencia de Rick, que contaba en entrevistas anteriores, de esperar frutos de este proyecto. El sólo hecho de escucharlos en su myspace evocan el sentimiento de permanecer al ritmo de la melodía electrónica con una mezcla de voces muy sencillas que componen una presentación dinámica y que es recomendable ser experimentada para quien sienta una atracción luego de escucharlos en internet. Nada más que decir, enjoy Tunacola!

Escrito por Pablo Álvarez y Miguel Malermo.

Recomendamos escuchar el nuevo disco de Tunacola Whale, que ya está a la venta!

Tatuadores de mentiras

Un micrófono enorme tambaleándose en las murallas y basureros dan un ambiente armónico para interrumpir fuertemente con la palabra más acusadora que existe: “You (…)”

Así comienza la canción y nuevo video, publicado la semana pasada, de Jane’s Addiction. Éste promociona el nuevo disco del conjunto americano, “The Great Escape Artist”. Son muchos los videos y canciones que se pueden estar opinando en este momento, pero lo diferente de éste es la interpretación que podemos deducir. La inclinación por producir montajes con disfraces, que apelan al amor psicodélico y a situaciones cotidianas –como Been Caught Stealing- termina. La banda apuesta por un trabajo protestante. 

En una época de mucha guerra mediática y conflicto de poderes, la banda de Perry Farrell usa el desnudo y el arte gráfico para denunciar. Muchos podrían decir que Jane’s tiene canciones mejores, pero considerando lo conceptual de esta propuesta el tema vendría siendo superior a la calidad de la canción.

 Es importante destacar la esencia del video, la letra está hablando de forma directa a una imagen representada por mentiras. Su combate se realiza a través de un conjunto en el arte. El dibujo protestante se realiza en el único lugar donde no puedes grabar algo que no crees, al contrario, ahí lo vuelves eterno: el cuerpo. Así se dibuja a los integrantes del grupo, los micrófonos, la figura de Dave Navarro produciendo un gran solo en la guitarra, y varios aspectos que alegan contra la demagogia manipuladora. El video se vuelve protestante al sumar la iconografía del sexo y el dibujo, un mensaje potentísimo gracias al medio. Al igual que muchos medios nacionales populares, hablan de que la opinión se lleva en la piel, en este caso es la manera más artística de mostrarlo. Y no sólo aquella disciplina, sino también una serie de imágenes de stenciles que representan el graffiti, otro gran exponente de estas grabaciones eternas.  

En el video cae todo tipo de figuras públicas que se han transformado en líderes de opinión para muchos. Las atribuciones que estos ocupan, a raíz de historias antiguas por las que se autoveneran demuestran que siguen siendo los mentirosos de siempre, que el poder los ha abrumado en querer seguir manteniéndolo, de la manera que sea.

Nuevamente, la música, como muchas veces, logra denunciar las prácticas descaradas en la política y en las autoridades. Si bien la música no produce un verdadero daño a la sociedad, como alguna vez afirmó Jorge González, sí está presente para que la gente se dé cuenta quién miente. Fin a las mentiras.

Escrito por Pablo Álvarez y Miguel Malermo.

Para ver el video presiona aquí: http://bcove.me/7xuoxqwx